In seguito allo scontro con un animale posseduto da un demone il principe Ashitaka viene contaminato da una maledizione mortale. Si mette dunque in viaggio per scoprirne l’origine e chiedere una cura al grande Dio Bestia, l’unico in grado di guarirlo. Arrivato nelle regioni da cui proveniva la bestia scopre una guerra tra uomini e una forma primitiva di animali della foresta, giganti, senzienti e aiutati da quella che chiamano la Principessa Spettro, una ragazza cresciuta dai lupi che ha rinnegato gli uomini. Dall’altra parte gli uomini, capitanati da Lady Ibushi che gestisce con amore, giustizia e pietà il suo villaggio di fabbri, vogliono lavorare la montagna e abbattere gli alberi per poter estrarre il ferro (fonte di ricchezza). In mezzo un gruppo di monaci cerca di fomentare gli uomini ad uccidere il Dio Bestia e rubarne la testa perchè, si dice, fornisca l’eterna giovinezza.

Il più avventuroso e apparentemente il più canonico film di Hayao Miyazaki è stato quello che l’ha reso definitivamente famoso in Occidente anche presso il grande pubblico, il primo distribuito in America da una grande major.

Arrivò in Italia in un’edizione tradotta molto male che ne modificava il senso, la lingua e alcune frasi semplificandolo per renderlo più comprensibile ai bambini. Ora che i diritti li ha acquisiti la Lucky Red ritorna al cinema ritradotto e ridoppiato. Il risultato è oltre ogni immaginazione e si può parlare per molti versi di un altro film, lontano da molte cose che pensiamo appartenere a Miyazaki (certi dialoghi impressionano per efferatezza) e dotato di un’aulicità nel registro parlato che ne modifica l’aria generale.

Anno 1575. Il giovane Miguel de Cervantes, ferito in uno scontro navale, durante il suo ritorno in Spagna, viene catturato in mare aperto dai corsari algerini. Consapevole che una morte crudele lo attende ad Algeri se il suo riscatto non sarà pagato al più presto, Miguel trova rifugio nella sua passione per il racconto di storie. I suoi affascinanti racconti ridanno speranza anche ai suoi compagni di prigionia e attirano l’attenzione di Hasán, il misterioso e temuto governatore di Algeri, con il quale inizia a sviluppare una strana affinità. Mentre i conflitti crescono tra i suoi disperati compagni, Miguel, guidato dal suo incrollabile ottimismo, inizia a pianificare un audace piano di fuga.

Un giorno d’estate, i figli ormai adulti tornano a visitare i genitori anziani nella casa che abitano da anni. Il figlio e la figlia sono accompagnati dalle rispettive famiglie per questa che è una rara occasione per riunire tutto il clan familiare. Si ritrovano per commemorare l’altro figlio (fratello), il maggiore dei tre, tragicamente annegato in un incidente quindici anni prima. La casa avita appare spaziosa, confortante e immutabile, come sempre. Ma qualcosa, nel gruppo familiare, nelle singole persone, è impercettibilmente mutata.

Becket Redfellow (Glen Powell) è un outsider cresciuto lontano dalla sua famiglia d’origine: una dinastia ricchissima che lo ha rinnegato alla nascita. Determinato a reclamare ciò che ritiene suo di diritto, Becket mette in atto un piano tanto ambizioso quanto spietato:eliminare, uno dopo l’altro, tutti i parenti che lo separano dall’eredità miliardaria. Ma l’incontro e lo scontro con Julia Steinway (Margaret Qualley) rimetterà in discussione tutto, fino al confronto finale con il temuto capo famiglia, Whitelaw Redfellow (Ed Harris).

Il regista John Allen Ford: “Ricchi…da morire-Delitti in famiglia è una rivisitazione molto, molto libera di un classico, la black comedy prodotta negli anni 40 dagli Ealing Studios “Sangue blu” (Kind Hearts and Coronets), di cui questo film è una versione all’americana molto più esagerata.”Il film originale, diretto nel 1949 da Robert Hamer, aveva come protagonista il leggendario Alec Guinness, che interpretava ben otto personaggi, una cosa senza precedenti.“ Adoro il film originale, ha un tono e un umorismo davvero unici”. Quando haletto la sceneggiatura di Ford, Powell non ha avuto dubbi, il ruolo principale doveva essere suo: quello di Becket Redfellow, un giovane diseredato alla nascita ed escluso dalla enorme ricchezza familiare, ma determinato a ottenere ciò che ritiene gli spetti uccidendo tuttii membri della famiglia che si frappongono tra lui e il suo obiettivo.

Un uomo cammina nel fango, trascinando una bara. Non dice una parola, ma quell’immagine è diventata una delle più iconiche nella storia dello spaghetti western. A sessant’anni dalla sua uscita, Django di Sergio Corbucci torna nelle sale distribuito da CG Entertainment in collaborazione con Lumière & Co. e Cinemaundici, grazie a Surf Film. Il restauro del film è stato effettuato nel 2018 presso L’Immagine Ritrovata. Realizzato dalla Fondazione Cineteca di Bologna e da Surf Film, il lavoro è partito dalla scansione 4K del negativo camera originale e del negativo suono italiano.

Nel suo capolavoro Corbucci si discosta dall’idea di western di Sergio Leone, realizzandone una dimensione più scarna ma riempita con violenza e un’atmosfera grottesca e allucinata. Franco Nero è lontano dalla mise di Clint Eastwood, è un uomo già sconfitto in partenza, che si porta dietro una bara carica di segreti e storie. Un mito immortalato anche da una grande colonna sonora firmata da Luis Bacalov, con il celebre tema principale scritto insieme a Franco Migliacci e interpretato dalla voce di Rocky Roberts. Proprio quel famoso tema musicale è stato ripreso da Tarantino nel suo Django Unchained, tributo massimo all’opera di Corbucci, a dimostrazione di come il film abbia ridefinito l’immaginario pop globale, andando oltre i confini del western italiano e plasmando il cinema postmoderno sia in Occidente che in Oriente.

Il film è liberamente ispirato a un episodio che ha segnato la fine della carriera del filosofo Friedrich Nietzsche. Il 3 gennaio 1889, in piazza Alberto a Torino, Nietzsche si gettò, piangendo, al collo di un cavallo brutalizzato dal suo cocchiere, poi perse conoscenza. Dopo questo episodio, che costituisce il prologo del film, il filosofo non scrisse più e sprofondò nella follia e nel mutismo. Su queste basi, The Turin Horse racconta la storia del cocchiere, di sua figlia e del cavallo, in un’atmosfera di grande e simbolica povertà.

Il regista afferma: ‘Il film segue questa domanda: cosa accadde al cavallo?

Il cocchiere Ohlsdorfer e sua figlia vivono in campagna. Sopravvivono grazie a un duro lavoro. Il loro unico mezzo di sussistenza è il cavallo con il carro. Il padre va a lavorare, la figlia si occupa delle faccende domestiche. È una vita misera e infinitamente monotona. I loro abituali movimenti e i cambi di stagione e di momento del giorno dettano il ritmo e la routine che viene loro crudelmente inflitta. Il ritrae la mortalità, con quel dolore profondo che noi tutti che siamo condannati a morte, proviamo.’

Il Limbo, da qualche parte tra cielo e terra. Un gruppo di “guide” ha il compito di aiutare le anime dei nuovi morti a ricordare un momento di gioia della loro vita. Gli istanti prescelti – il romantico primo appuntamento, l’ultima sigaretta, una semplice serata a casa – andranno a costituire il personale paradiso di ogni deceduto. Fra i trapassati e il gruppo delle guide spicca il rapporto di riluttante amicizia che nasce tra Watanabe, un settantenne triste in lotta con sé stesso per trovare un senso a una vita inerte, e Mochizuki, il giovane assegnato al vecchio per aiutarlo nella scelta del ricordo.